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女人花｜“颂之春——蔡锦个展蜕变”在「頌」艺术中心开幕

「頌」艺术中心很荣幸地宣布1楼主展厅“颂之春——蔡锦个展蜕变”于2月18日下午3点开幕，此次展览是艺术家蔡锦在「頌」艺术中心举办的第一个大型个人作品展。“蜕变——蔡锦个展”，是对蔡锦自二十世纪90年代至今，不同时期的代表性作品进行了梳理和呈现，包括“美人蕉”系列、“花”系列以及“风景”系列。以此展颂春，等春来，也等蔡锦画里那蜕变中的绯红与新绿。

艺术家蔡锦

展览现场

开幕现场

「頌」艺术中心馆长/创始人、本次展览的策展人苏芒表示：“我做了近30年女性杂志，最敬佩的就是那些坚持自己的梦想，永保初心，永不放弃的人，蔡锦老师正是这样一位女性。时光荏苒，转眼30多年过去了，她30年如一日对一个题材进行了400余幅作品的创作。她在我心中不仅是一位伟大的艺术家，更是一位令人尊敬的艺术教育者。她在天津美院任教多年，培养了很多学生，退休后在798创立了自己的非盈利机构“蔡锦空间”，扶持了众多青年艺术家。借用Hi艺术给她报道的一篇文章的标题《她凭一己之力，撑起北京最纯粹的飞地》，这是令我非常尊敬的。感谢所有在过去帮助过蔡锦老师的艺术家朋友们，评论家朋友们，画廊的朋友们，因为你们，她的艺术梦想能够得以延续，而今天我们接棒了，希望为中国更加广泛的青年群体介绍一位了不起的艺术家，她的名字叫蔡锦。”

艺术家蔡锦与「頌」艺术中心馆长/创始人、策展人苏芒

中国美术馆展览部副主任，本次展览的学术顾问柳淳风博士表示：蔡锦老师在中国当代艺术界中，足以称为“沧海遗珠”。中国当代艺术从80年代发展到现在，差不多40多年的时间中，中国女性艺术逐渐演化出全球女性艺术的第二种特征，我称之为非权力性的女性艺术。我想蔡锦老师就是在这个方面做出了长年的工作与探索。在女性艺术发展的早期，许多艺术家更愿意立足于反中心主义（抵抗权力性）的学术创作思路，而蔡锦则更多地从绘画性的本体语言角度深耕，追寻关于身体与生命认知的艺术表达。此外，蔡锦的艺术还彰显出另一个特征，那就是她的画面呈现出从点到面，然后再从面到空间的发展脉络。在新系列作品中，我们尤其看到，蔡锦老师这几十年，对于绘画性、女性主义如何介入到新空间的努力与尝试。

中国美术馆展览部副主任，本次展览的学术顾问柳淳风博士

艺术家王光乐：蔡锦老师的才华在很年轻时就达到一种成熟的境界。她是我见过最感性的一个人，她的性格造就了她在绘画上的敏感，也成全了她的绘画。我会特别喜欢身后的这件《美人蕉365》，我觉得像是刚刚剥了皮的肉，蔡老师说她画的时候并不知道。其实这种才华很让人嫉妒，因为她居然是在无意识中画出了一种很沉重的东西。如果我来画一张画，是很多意识我已经有了之后才去画，当然我会去追求最后画面要有一种不确定的“我是痛的”东西出现，这才是一种很好的画。可蔡老师她就是很神奇，她就是那样自然地无意识地去画，却给别人带来很多她都没有想过的一些感觉。”

艺术家王光乐、蔡锦及「頌」艺术中心馆长/创始人、策展人苏芒

在中国当代艺术史上女性艺术家寥若星辰，蔡锦无疑是最璀璨的一位，在她从事艺术创作的近30年对同一题材的一以贯之地创作，同时从1992年至1997年，蔡锦先后四次参加在中国香港、澳大利亚悉尼，英国伦敦、美国芝加哥举办的由策展人张颂仁、栗宪庭合作策划的“后八九中国新艺术展”，“后八九”不但引发了国际艺术界对于中国艺术的关注，而且触发了一种文化解释的机制，在这一机制中,当代艺术成为中国社会-政治-文化的面相和征候，也正因此，它被关注程度之深远、它的影响范围之大，都远远超出了艺术本身。随着“后八九”在世界范围的传播，中国当代艺术成为全世界所有关注中国的人们理解中国的一个必要的中介，蔡锦作为“后八九中国新艺术”的重要艺术家之一，其作品中的个人意识和女性方式通过对感情历程和生命枯荣兴衰将一种真正意义的现代精神和图像特征表现出来，并在艺术史上成为一个独特的案例而在世界范围内产生深远的影响。

左起：策展人朱砂，苏芒，艺术家蔡锦，艺术家邢丹文，阿那亚创始人马寅

艺术家蔡锦，著名演员张天爱

左起-赵海涛，艺术家周松，崔天意，艺术家孟禄丁、蔡锦、雷双，著名演员张天爱，「頌」艺术中心馆长及创始人苏芒

著名演员张天爱

左起：艺术家邢丹文，艺术家向京

Song Song 四仰宋松

蔡锦-《美人蕉365》-500×400cm-布面油画-2016到2017.10

蔡锦-《风景54》-200×500cm-布面油画-2013.

《风景45》, Scenery45, 布面油画, Oil on canvas, 300 x 450cm, 2013, 图片版权归艺术家和颂艺术中心所有

此次，頌艺术中心与艺术家蔡锦合作，预为观众呈现出一个纯绘画展览，颂艺术中心创始人，同时也是本次展览的策展人苏芒女士表示：“我们选择了艺术家最具代表性的3个时期的作品：从最早的《美人蕉》系列；中期从美人蕉图示中抽离出更加抽象的《风景》系列中的重要作品；和近期的《花神》系列佳作。作品跨度33年，我曾和蔡锦老师谈到为什么一直画这么久？为什么不变？她说这是她的坚持，她坚持不勉强自己，这种眷恋的情结，就像眷恋生命本身，一直持续无法间断。”

著名艺术评论家、策展人高名潞称蔡锦的绘画为“见微知著的格物绘画”。他认为蔡锦是中国女性艺术家的杰出代表。她的艺术魅力以及它带给我们的启示已经超越了中国女性艺术或者女性艺术的分类。“蔡锦作品的意义，就在于这种见微知著。‘天下莫大于秋毫之末，而泰山为小。’题材的不足道，恰恰折射了深刻的人性以及任何生命意义的外延。齐物和格物，其实最终仍然是艺术家自我的修行之道。见微知著的哲学就是日常的哲学，佛家叫“事事无碍”。有了语言的“事事无碍”，也就有了作品的“意在言外”。恐怖的红色让我们想到了疯狂的红色年代；纠缠不休的形色让我们联想到心理自虐或者性的纠结；布满画面的肉红加上玫瑰底色的条样体积让人们联想到发霉的腐物，隐喻某些当下社会和人性问题。如此，不一而足。”蔡锦艺术语言的魅力所就是：极少的言语却为观众留下了更多的想象空间。

蔡锦-《3朵花》-200×190cm-2022

《美人蕉1》, Canna1, 布面油画, Oil on canvas, 80 x80cm, 1991, 图片版权归艺术家和颂艺术中心所有

追溯蔡锦第一张关于美人蕉的画作诞生要回到1990年，有一段偶然又奇妙的经历：“在一堆乱草中看到一棵干枯的芭蕉树，大片的叶子包裹着树身，一种似肉红色的肌肤，原来的绿色是完全没有了，可眼前枯萎的形和色紧紧地抓住了我，那根、茎、叶片里仿佛还残存着呼吸，这是一瞬间一种无以名状的感触。”也是从这张画开始，《美人蕉》系列作品声名鹊起，成就蔡锦成为90年代中国最令人瞩目的艺术家之一，并延续至今。而蔡锦当时那一瞬间的感触，创作时突如其来的熟悉和快感渐渐成为蔡锦对一种生命状态的探索。视觉上夺目的红色，感官中的粘稠腥气，与自然的水迹干涸之后留下的斑痕，在绘画语言的交媾中来了一场神秘的游戏，形成了蔡锦以独特笔触为核心的鲜明风格。

展览现场

把美人蕉、鲜花、果实那饱满的生命结构揉碎，以繁复、琐碎的用笔模式凝聚成一种逆反力量。蔡锦画中用色饱和，却呈现出和泥土相融的气质，让单纯的事物幻化出繁琐，这种腐朽但充满生机的的矛盾让人迷惑。也恰恰因为她画中这种矛盾和迷惑，在当代国际艺术的多元格局中，让她的绘画仍能用一种强有力的语言方式来探讨艺术和生活本质：从生命状态的蜕变展示，触及当代人的生存感触。并以次成为土壤，让美人蕉、浴缸这同一种题材的创作持续了二十多年，经年与累月，历久而弥新，坚持地蜕变。